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Transitando en los límites por los recorridos de “Apología/Antología”.  Recorrido elaborado por Eugen Ehrlich. En la presentación participará Eli Lloveras, directora de Hamaca.

Viernes, 26 de mayo a las 20:00h

Fundació La Posta, València

Fundación La Posta presenta Apología/Antología, una iniciativa de HAMACA (junto con Tabakalera San Sebastián, UPV/EHU y Cameo), integrada por una serie de recorridos por el vídeo en el contexto español, y lo hacemos con la exhibición de tres piezas fílmicas que se caracterizan por transitar en los límites de los recorridos de esta recopilación ?correspondiente a los últimos cincuenta años de vídeo en España?, con un denominador común, al referirse todas ellas al arte de la memoria. Las obras seleccionadas son: “Mira el árbol” (2009), de Fernando Baños, 7′; “Parany” (1990), de Jaume Subirana/Gringos, 7’35”; y “La memoria interior” (2002), de María Ruido, 32’40”.

Para poder abordar la tarea de seleccionar tres piezas fílmicas entre la gran cantidad de material videográfico y cinematográfico que integra “Apología/Antología” (86 piezas; luego notablemente ampliadas en la web del proyecto www.apologiantologia.net), se hacía necesario adoptar criterios precisos. Para empezar, hemos estado más por la Apología que por la Antología. Esto es, hemos fijado más la atención en obras recientes. No obstante, al transitar por la antología, hemos terminado haciendo una escala en “Parany”, de Jaume Subirana/Gringos, que es una obra de 1990. Por otro lado, fieles al espíritu de La Posta, que se plasmó en las actividades cinematográficas de la primera temporada: “En los límites” [www.fundacionlaposta.org/en-los-limites/]; hemos ido bordeando las grandes categorías en las que habitualmente se organiza la producción videográfica/cinematográfica asociada al campo artístico (conceptual, desmontaje y apropiación, político y social, identidad de género, orientación sexual y políticas del cuerpo), buscando las zonas de intersección con el campo del cine ensayo o cine documental de creación. Los resultados de la indagación no han podido ser más emocionantes: tres piezas fílmicas que se adentran en los intrincados vericuetos de la memoria personal o colectiva, si es que ambas son disociables.

La selección efectuada, además, se encara con uno de los criterios fundamentales de la antología de la que procede, como es la identificación de un ámbito geográfico al que estaría referida la misma mediante la referencia al “contexto español”. Llama poderosamente la atención en el título de la compilación: “Apología/Antología. Recorridos por el vídeo en el contexto español”, el intento de acotar geográficamente el ámbito de la selección, mediante una referencia imprecisa al “contexto español”. El intento de acotar geográficamente las producciones audiovisuales es muy típico de la industria cinematográfica. Esto se entiende en el contexto de una industria fuertemente intervenida por los Estados (incluida la industria de Hollywood). No resulta tan comprensible en el campo del video arte, que se supone dotado de una mayor independencia. La selección efectuada para esta presentación de “Apología/Antología”, pone en crisis ese supuesto ámbito geográfico de la producción que se presenta, ya que se trata de tres obras que recogen la memoria de personas en tránsito entre distintos países europeos, fundamentalmente entre Alemania y España. En esas coordenadas, si queremos hacer una adscripción geográfica de las experiencias rememoradas en lasobras seleccionadas, tenemos que hacernos la pregunta de a qué país pertenece la memoria de, por ejemplo, los inmigrantes españoles en Alemania, durante las décadas de los cincuenta, sesenta y setenta del siglo pasado, a la que se refiere María Ruido en La memoria interior; o la memoria de un republicano español exiliado que se alista en las Brigadas Internacionales, y que al finalizar la Guerra Civil española terminará participando en la II Guerra Mundial, será hecho prisionero, probablemente en algún campo de concentración… ¿a qué “contexto nacional” pertenece esa memoria recogida en Parany, de Jaume Subirana/Gringos? La cuestión ha sido planteada en toda su crudeza por Jorge Luis Marzo y Patricia Mayayo en “Arte en España (1939-2015) ideas, prácticas, políticas”, cuando al abordar el trabajo de los artistas españoles en el exilio, en particular en México, han destacado su falta de pertenencia tanto a la cultura mexicana como a la cultura española, que de hecho no los ha considerado en la historia canónica del arte español [2015:19-65]. Otro tanto ocurre con la memoria de los emigrantes, tanto reales como metafóricos. En ese contexto, parece apropiado plantearse si tiene sentido en este momento hacerse la pregunta sobre la adscripción nacional de ciertos trabajos artísticos en tránsito, fruto del desarraigo; o si, en sentido contrario, no sería más apropiado destacar este hecho, que afecta a tantas obras conforme ha ido aumentando la movilidad.

Para identificar en qué contexto cultural cabe inscribir ciertos trabajos que son fruto del desarraigo, unas palabras del propio Fernando Baños nos pueden ser útiles. El autor de “Mira el árbol” se refiere en su tesis de máster: “El turista de la memoria. En torno a la mirada lenta del Austerlitz de Sebald” [se refiere a W.G. SEBALD: Austerlitz, C. Hanser, Munich, 2001], al hecho de que ciertas imágenes no remiten a algo objetivo sino a algo imaginario, poniendo en relación una imagen óptica con una imagen-recuerdo que ella convoca, poniendo en relación lo físico con lo mental, la descripción con la narración, lo actual con lo virtual (Fernando Baños se refiere a esta idea citando al Deleuze de La imagen-tiempo. Estudios sobre cine 2, Paidos, 2004, pág. 69-70). Se trataría de trabajos audiovisuales o plásticos adscribibles a la cultura que está en nuestro recuerdo formado en el desarraigo.

Por otro lado, las tres obras seleccionadas participan de las características del arte de la memoria, una constante creativa o giro hacia la obra de arte como archivo [GUASCH, 2005, 157-183]. Este arte de la memoria incluye tanto la memoria individual como la memoria histórica. En el campo del audiovisual presenta algunas constantes, como son el evitar los momentos dramáticos, no presentar un relato estructurado y constituirse como un documento subjetivo, todos ellos puntos de conexión con el cine ensayo y el cine documental de creación, definiendo de esta manera una zona de intersección en los límites de ambos campos de actividad.

 

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Mi sexualidad es una creación artística, 46′

24.05.2017 a les 19h.
ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona

Projecció seguida de diàleg entre Lucía Egaña, Marisela Montenegro i Joan Pujol
Entrada lliure / aforament limitat

El postporno es ve desenvolupant amb intensitat des d’aproximadament l’any 2000 a Barcelona. Es tracta d’una expressió on resulta difícil de separar producció artística de pràctica activista, i on els límits i els espais d’acció es difuminen.

El documental Mi sexualidad es una creación artística dóna compte de les persones i col·lectius que han treballat i creat el denominat ?postporno? en aquesta ciutat. A partir de 7 entrevistes es realitza un recorregut que pretén desvetllar les causes, motivacions i peculiaritats d’aquesta escena, on la recerca per construir altres formes de representació de la sexualitat es visibiliza en un resultat híbrid i ?bizarro? molt vinculat a la performance i a les intervencions a l’espai públic. Mi sexualidad es una creación artística és un documental que funciona com a cartografia il·lustrada barrejant relats i percepcions amb videos postporno Do It Yourself, documentació d’accions i diverses intervencions realitzades principalment a Barcelona.

Amb l’aparició de: María Llopis, Go Fist Foundation (Idoia + Karolina/Spina), La Quimera Rosa (Yan + Cecilia), Diana J. Torres aka Pornoterrorista, Post-Op (Elena + Majo), Annie Sprinkle & Beth Stephens, Marianissima, Ex-dones, Itziar Ziga, dj Doroti / tokioss, videoarmsidea, Perrxs Horizontales. Mi sexualidad es una creación artística va comptar amb l’ajuda del Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison

Lucía Egaña Rojas té formació en belles arts, estètica i documental i és doctora en Comunicació Audiovisual per la UAB. Treballa sobre temes relacionats amb els feminismes, la representació, les relacions de poder nord-sud, la postpornografía, la tecnologia, el programari lliure i l’error. Desenvolupa processos pedagògics en àmbits institucionals i autogestionats que, com el seu treball artístic, ha presentat i desenvolupat en països com Mèxic, Uruguai, Xile, Alemanya, Espanya, França, Noruega, Equador, Colòmbia, entre uns altres.

El treball de Lucía s’ha desenvolupat molt en contextos col·lectius: és co-organitzadora del festival nómade Muestra Marrana, forma part del projecte d’autoocupació feminista Cooperativa de Técnicas i del col·lectiu Real Archivo Sudaka, entre uns altres. Ha publicat el llibre Enciclopedia del amor en los tiempos del porno (Cuarto propio, 2014) i col·laborat amb diferents llibres i mitjans de comunicació a través de l’escriptura i del video. Actualment és resident de llarga durada en Hangar, és part del grup de recerca FIC (Fractalidades e Investigación Crítica, UAB) i membre de la direcció acadèmica del PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA.

Marisela Montenegro Martínez és professora titular interina del Departament de Psicologia Social de la Universitat Autònoma de Barcelona. Co-coordina el “Màster Oficial de Recerca i Intervenció Psicosocial” de la Facultat de Psicologia i és membre del grup de recerca “Fractalitats en Investigació Crítica”. La seva recerca s’ha desenvolupat en les àrees de la psicologia social crítica, les metodologies qualitatives, els estudis de gènere, els processos migratoris i la intervenció social.

Joan Pujol és Professor Titular en la Universitat Autònoma de Barcelona.  Ha treballat com professor en la Universitat de Huddersfield (UK) i realitzat estades d'investigació en la Universitat de Reading (UK).  La seva recerca desenvolupa una perspectiva corporeitzada dels fenòmens socials des d’una perspectiva gubernamental.

[español]

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HAMACA PROJECTA: LUCÍA EGAÑA

Mi sexualidad es una creación artística, 46′

24.05.2017 a les 19h.
ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona

Projección seguida de diálogo entre Lucía Egaña, Marisela Montenegro y Joan Pujol

Entrada libre / aforo limitado

El postporno se viene desarrollando con intensidad desde aproximadamente el año 2000 en Barcelona. Se trata de una expresión donde resulta difícil de separar producción artística de práctica activista, y donde los límites y los espacios de acción se difuminan.

El documental Mi sexualidad es una creación artística da cuenta de las personas y colectivos que han trabajado y creado lo denominado ?postporno? en esta ciudad. A partir de 7 entrevistas se realiza un recorrido que pretende desvelar las causas, motivaciones y peculiaridades de esta escena, donde la búsqueda por construir otras formas de representación de la sexualidad se visibiliza en un resultado híbrido y bizarro muy vinculado a la performance y a las intervenciones en el espacio público. Mi sexualidad es una creación artística es un documental que funciona como cartografía ilustrada mezclando relatos y percepciones con vídeos postporno Do It Yourself, documentación de acciones y diversas intervenciones realizadas principalmente en Barcelona.

Con la aparición de: María Llopis, Go Fist Foundation (Idoia + Karolina/Spina), La Quimera Rosa (Yan + Cecilia), Diana J. Torres aka Pornoterrorista, Post-Op (Elena + Majo), Annie Sprinkle & Beth Stephens, Marianissima, Ex-dones, Itziar Ziga, dj Doroti / tokioss, videoarmsidea, Perrxs Horizontales. Mi sexualidad es una creación artística contó con la ayuda del Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison

Lucía Egaña Rojas tiene formación en bellas artes, estética y documental y es doctora en Comunicación Audiovisual por la UAB. Trabaja sobre temas relacionados con los feminismos, la representación, las relaciones de poder norte-sur, la postpornografía, la tecnología, el software libre y el error. Desarrolla procesos pedagógicos en ámbitos institucionales y autogestionados que, como su trabajo artístico, ha presentado y desarrollado en países como México, Uruguay, Chile, Alemania, España, Francia, Noruega, Ecuador, Colombia, entre otros.

El trabajo de Lucía se ha desarrollado mucho en contextos colectivos: es co-organizadora del festival nómade Muestra Marrana, forma parte del proyecto de autoempleo feminista Cooperativa de Técnicas y del colectivo Real Archivo Sudaka, entre otros. Ha publicado el libro Enciclopedia del amor en los tiempos del porno (Cuarto propio, 2014) y colaborado con distintos libros y medios de comunicación a través de la escritura y del video. Actualmente es residente de larga duración en Hangar, es parte del grupo de investigación FIC (Fractalidades e Investigación Crítica, UAB) y miembra de la dirección académica del PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA.

Marisela Montenegro Martínez es profesora titular interina del Departamento de Psicologia Social de la Universitat Autònoma de Barcelona. Co-coordina el “Màster Oficial de Recerca i Intervenció Psicosocial” de la Facultad de Psicologia i es miembro del grupo de investigación “Fractalitats en Investigació Crítica”. Su investigación se ha desarrollado en las áreas de la psicología social crítica, las metologogías cualitativas, los estudios de género, los procesos migratorios y la intervención social.

Joan Pujol es Professor Titular en la Universitat Autònoma de Barcelona.  Ha trebajado como profesor en la Universidad de Huddersfield (UK) y realizado estancias de investigación en la Universidad de Reading (UK). Su investigación desarrolla una perspectiva corporeizada de los fenómenos sociales desde una perspectiva gubernamental.

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HAMACA PROJECTA. CICLE DE CINE I VÍDEO

Oleg y las raras artes, 90′
27 d’abril a les 19h. ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona
Amb la presència d’Andrés Duque
Entrada lliure / aforament limitat

Qui és aquest home que sembla extret d’un conte de Gogol'

El llegendari Oleg Nikolaevitch Karavaychuk és l’enigmàtic i colpidor protagonista d’aquesta pel·lícula del director Andrés Duque. Mogut per la música que el pianista va compondre per a una pel·lícula de Kira Muratova, Duque és el primer estranger a guanyar-se la confiança del sempre actiu i excèntric rus de 89 anys.

Alguns apunts biogràfics: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), va ser un nen prodigi que va tocar el piano per a Stalin, va assistir al Conservatori de Leningrad i al llarg de la seva carrera ha escrit música principalment per a teatre i cinema ? per exemple, per Paradjanov i Muratova. A Rússia, és admirat per la seva música i la seva forma de tocar, però també per la seva singular i excèntrica personalitat. Als 89 anys, Karavaychuk segueix sent una figura controvertida i desconcertant en la cultura russa.

La bella pel·lícula que Andrés Duque li ha dedicat és un regal per a l’espectador, un regal d’un vell artista que allunyat de tota convenció social, vol reconciliar-se amb el món i ens transporta lluny de la realitat a través de les seves paraules, els seus gestos i la seva interpretació al piano a un món on les pertorbadores dissonàncies són portadores d’una alliberadora bellesa.

Andrés Duque

Cineasta hispanoveneçolà. El seu treball més conegut és Iván Z, un retrat del cineasta de culte Iván Zulueta que li va valer una nominació al Premi Goya de l’Acadèmia. El 2011 realitza el seu primer llargmetratge titulat Color perro que fou estrenat al Festival Internacional de Cinema de Rotterdam i guanyador del premi del públic al Festival de Cinema Documental Punt de Vista. El 2012 és un dels cineastes convidats al prestigiós seminari Flaherty que se celebra a Nova York. El 2013 rep el Premi Ciutat de Barcelona per la seva pel·lícula Ensayo final para utopía.

OLEG Y LAS RARAS ARTES
Andrés Duque / España / 2016 / 70 min.
PRODUCIDA POR MARTA ANDREU, TÀNIA BALLÓ, SERRANA TORRES
PRODUCTOR ASOCIADO LLUÍS MIÑARRO
FOTOGRAFÍA CARMEN TORRES SONIDO BORIS ALEXEEV MONTAJE FELIX DUQUE
BANDA SONORA ORIGINAL OLEG KARAVAICHUK
PRODUCCIÓN LAIA LAFARGA, ALEXEI SMYCHENKO POST-PRODUCCIÓN FEDERICO DELPERO
DISEÑO GRÁFICO JOAQUÍN URBINA FOTO FIJA ÓSCAR HERNÁNDEZ ORENGO

[CASTELLANO]

ANDRÉS DUQUE EN ARTS SANTA MÒNICA
HAMACA Projecta. Ciclo de cine y video
Oleg y las raras artes, 90′
Con la presencia de Andrés Duque

27 de abril a las 19h ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona
Entrada libre / aforo limitado

¿Quién es este hombre que parece extraído de un cuento de Gogol'

El legendario Oleg Nikolaevitch Karavaychuk es el enigmático y sobrecogedor protagonista de esta película del director Andrés Duque. Movido por la música que el pianista compuso para una película de Kira Muratova, Duque es el primer extranjero en ganarse la confianza del siempre activo y excéntrico ruso de 89 años.

Algunos apuntes biográficos: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), fue un niño prodigio que tocó el piano para Stalin, asistió al Conservatorio de Leningrado y a lo largo de su carrera ha escrito música principalmente para teatro y cine – por ejemplo, para Paradjanov y Muratova. En Rusia, es admirado por su música y su forma de tocar, pero también por su singular y excéntrica personalidad. A los 89 años, Karavaychuk sigue siendo una figura controvertida y desconcertante en la cultura rusa.

La hermosa película que Andrés Duque le ha dedicado es un regalo para el espectador, un regalo de un viejo artista que alejado de toda convención social, quiere reconciliarse con el mundo y nos transporta lejos de la realidad a través de sus palabras, sus gestos y su interpretación al piano, a un mundo donde las perturbadoras disonancias son portadoras de una liberadora belleza.

Andrés Duque

Cineasta hispano-venezolano. Su trabajo más conocido es Iván Z, un retrato del cineasta de culto Iván Zulueta que le valió una nominación al Premio Goya de la Academia. En 2011 realiza su primer largometraje titulado Color perro que huye estrenado en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y ganador del premio del público en el Festival de Cine Documental Punto de Vista. En 2012 es uno de los cineastas invitados al prestigioso seminario Flaherty que se celebra en Nueva York. En 2013 recibe el Premio Ciudad de Barcelona por su película Ensayo final para utopía.

Más información: http://www.hamacaonline.net/blog/?p=2041&preview=true

El 19 de abril arranca el taller de Francisco Ruiz de Infante en Hangar.org; un encuentro intensamente multi-rítmico y profundamente melódico… Epa, a experimentar juntas diálogos de sordas, errores necesarios y sucias intuiciones frotando vídeo, música, performance y literatura!!!

Rítmico y melódico. Sonata de Abril

En torno a la activación de dispositivos audiovisuales (más o menos performativos, más o menos literarios, más o menos musicales, más o menos espectaculares)

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Calendario : 19, 21, 22 abril 2017.
Miércoles y viernes de 16h30 a 20h30. Sábado de 11h a 14h i de 16h a 20h30
Lugar: HANGAR Barcelona
Precio: 50 euros
Inscripción: Aquí

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Desde siempre he oído decir que en las artes, calificativos como simple, eficaz, puro, estilizado, límpido, sobrio, riguroso? son entendidos como signos de buena conducta y de madurez. También algunas expresiones del tipo «menos es más» o «una idea cada vez» parecen ser motor de modos de comentar lo que pudiera ser «muy interesante» en las artes.

Lo que me pasa es que cuando pienso que las artes participan en la construcción de visiones del mundo contemporáneo (micro o macro social) y que tal vez estas «visiones» sean más tarde «su imagen», estos calificativos y estas expresiones legendarias me ponen muy nervioso. No entiendo como «lo humano», esa cosa perfectamente multi-ritmica y profundamente melódica, puede ser reflejado por formas artísticas que responden a esas palabras que, al menos a mí, desde hace tiempo y particularmente en estos presentes que vivimos en ebullición permanente, me inquietan.

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OBJETIVOS :

Intentaremos construir en un tiempo record una «memoria colectiva» para poder experimentar juntos diálogos de sordos, errores necesarios, lapsus y sucias intuiciones. Allí se frotaran vocabularios artísticos y métodos de trabajo en terrenos diversificados: performance, vídeo, música, literatura, instalación y sonido.

Allí (en el taller) intentaremos cuestionar de manera eminentemente práctica algunos estados efímeros (presente/pasado/futuro), algunos espacios inestables, algunas paradojas (mamíferos acuáticos/malas hierbas/países radicalizados/peces voladores), algunas dualidades peligrosamente similares (real/imaginario) y algunos aceleradores complejos del inconsciente, entre los cuales, la percepción dislocada del espacio y, evidentemente, del cuerpo.

En Rítmico y melódico. Sonata de Abril intentaremos hurgar en la manera como funciona la memoria cuando alimenta el presente: mediante sacudidas llenas de errores de información, o a partir de torrentes de imágenes y sonidos que recomienzan sin fin.

En esta experiencia participativa de lo que denomino “Pedagogías del abismo” se activarán reflexiones, diálogos y acciones a partir de la utilización de algunos “referentes-motor” (literarios, musicales y audiovisuales), y algunos “dispositivos-trampa” que amplifican y traicionan (cámaras, micrófonos, células de captación, miradas, espejos, luces, sombras…)

¿Ver mejor? ¿Escuchar más? Seguramente ver y escuchar de otra manera y con una consciencia diferente.

++

DIRIGIDO A :

Artistas, estudiantes de bellas artes, escritores, escenógrafos, actores, performers, bailarines, dramaturgos? En definitiva, este taller está dirigido a quien esté interesado en experimentar y formular nuevas narrativas espacio-temporales a través del espacio, el tiempo y el cuerpo (su imagen, su sombra, su sonido, su reflejo). Un cuerpo, un tiempo y un espacio que serán amplificados o negados, acelerados o frenados gracias a algunas tecnologías audiovisuales.

PROGRAMA (en torno a cuatro tiempos) :
1-Compartir (conocimientos, experiencias, deseos)
2-Proyectar (dispositivos, contextos, reglas de juego)
3-Verificar (la distancia entre lo que se imagina y lo que es)
4-Compartir (aprendizajes, experiencias, deseos)

A lo largo del ultimo día del taller se realizara una sesión experimental de orden festivo en la cual se compartirán algunas de las formas y energías activadas a lo largo de la semana (et titulo, horario y modalidades de la presentación publica será comunicado en abril).

++

FRANCISCO RUIZ DE INFANTE

Vitoria-Gasteiz, 1966. Vive y trabaja entre Estrasburgo y Auberive (Francia)
www.ruizdeinfante.org

 

http://cvc.cervantes.es/artes/p_corrientes/expo2.htm
http://www.elbabenitez.com/artistas/francisco-ruiz-de-infante/

Artista “fuera de formato”, pertenece a una generación cuya sensibilidad está marcada por el encuentro y la confrontación de máquinas audio-visuales para el control y el divertimento, con otros materiales aparentemente más simples y cotidianos. Ruiz de Infante hace juegos malabares sin complejos entre la “alta tecnología” y el “bricolaje de urgencia”.

En el universo de FRI (frágiles construcciones – dispositivos – recorridos de instalaciones – imágenes fijas – films – sonidos – dibujos – textos – performances – espectáculos) abundan los espacios dislocados o en estado de construcción. A menudo inquietantes, sus obras sumergen al espectador en una intensa experiencia física y mental.

En el terreno plástico expuesto proyectos importantes en instituciones como el Museo de arte Moderno de Paris, El MNCA Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Bilbao, la Maison de l’Image de Ginebra, la Blaffler Gallery de Houston, el ZKM de Karlshure, la Kunst-Halle de Bonn, el museo Carrillo Gil de México, La Panera de Lleida, la sala Metrónom de Barcelona, et Instituto Cervantes de Casablanca?

Recientemente a iniciado un ciclo de exposiciones e intervenciones artísticas : “Ecosistemas BlueSky” que se concretizan desde el 2009 con proyectos individuales o colectivos en Argentina (Espacio Fundación Telefónica y CCEBA de Buenos Aires), Francia (Nuit vidéo de Nancy, Atheneum de Dijon), España (Artium de Vitoria-Gasteiz), Marruecos (FIV de Casablanca) y Polonia (WRO?09 en Wroclaw).

En el campo del vídeo monocanal, dentro de su extensa producción pueden ser señalados el largometraje Los Lobos  (1995) y los cortos Las Cosas Simples (prix découverte en el Festival du Nouveau Cinéma de Montreal 1993) así como Colisiones sin titulo (2001) o La Piedra de NY (2005). Actualmente realiza films evolutivos dentro de la serie “BlueSky” (HolyBilis, Aprender a golpear, B.S.o.D. -Training attitude-?) y prepara en paralelo los largometrajes “Ecosistemas” y “Plancton”.

Varios de sus vídeos son visibles en la colección del Centre Pompidou (París) y el MNCA Reina Sofía (Madrid) entre otras numerosas colecciones de museos y mediatecas internacionales.

En el terreno de las artes performativas, la colaboración (en el sentido más amplio del término) con el coreógrafo Loïc TOUZÉ (“Un Bloc” 1997 y “S’il y a lieu” 1999) y el compositor Christian SEBILLE (desde el 2003) han sido experiencias necesarias para inventar relaciones más complejas con el espectador.

Actualmente colabora con la coreógrafa Olga MESA en vista de la corealización del proyecto escénico, plástico y audiovisual “Carmen / Shakespeare” (2012-18)

Licenciado en Pintura y Audiovisuales por la Facultad del País Vasco y master multimedia de l'ESNBA de Paris, Ruiz de Infante es profesor y coordinador del grupo de investigación en Arte Fuera de Formato de la Haute École des Arts du Rhin -HEAR- Estrasburgo) y codirector artístico de Le Centre des Rives (un laboratorio para el arte contemporáneo y documental en contexto rural).

 

10 de Maig de 2017 a les 19h a Arts Santa Mònica, Barcelona
Castellà i anglès / 90 min.
Entrada gratuïta fins a omplir aforament.

Un programa compost de dos vídeos del col·lectiu Video-Nou (Barcelona, 1976-83): Actuació d'Ocaña i Camilo (1977) i Ocaña. Exposició a la Galeria Mec-Mec (1977) són retrats de l’andalús, anarquista, artista, teatrer i travesti Ocaña, el seu millor amic Camilo, el dibuixant underground Nazario, els videastas i altres persones que parlen de la seva vida i el seu treball mentre reciten, canten, ballen, es maquillen i estan en el grup; així com de la lectura d’una selecció de passatges escrits per Esther Newton que retraten a Tiger, Billy, Tris, Godiva, Lola, Jim, Jean, Dodi Turner, Bo Sutter, Wanda, Jane, Judy, Gus, Tim, Bonnie i altres persones, i al seu escenari polític específic, en l’assaig Mother Camp: Female Impersonators in America (1972).

L’escriptor i comissari Alberto García del Castillo va compondre aquest programa i va redactar els subtítols en anglès ? juntament amb Liz Allan ? per als vídeos de Video-Nou. En Arts Santa Mònica, llegirà certes parts del text original d’Esther Newton en anglès i unes altres de la traducció al castellà de María José Belbel Bullejos i Paloma Uría: Mother Camp: Un estudio de los transformistas femeninos en los Estados Unidos  (2016).

Aquesta programació va ser produïda per Hamaca (Barcelona), estrenada al Beursschouwburg a Brussel·les al setembre de 2016 i presentada al 1646 a l'Haia  al novembre.

Video-Nou va ser un col·lectiu creat en 1977, constituït dos anys més tard en equip gestor de l’anomenat Servei de Vídeo Comunitari, concebut amb voluntat de servei públic. Els seus membres procedien dels àmbits del periodisme, la sociologia, la antipsiquiatría, l’ensenyament, les arts visuals i escèniques i l’arquitectura. Va ser un grup pioner a l’Estat espanyol en la utilització d’equips portàtils de vídeo, amb la intenció d’engegar un tipus de televisió (contra)informativa i activista, arrelada en determinades pràctiques artístiques conceptuals i de crítica institucional.
Alberto García del Castillo escriu ficció de gènere i no ficció sobre comunitats i queer, posa en escena aquests textos i aquells escrits per altres persones, i col·labora en combinacions múltiples; aviat presentarà Minven, i ha publicat ?Oslo? en la revista Girls Like Us, Midpoint i Retrospective. Ha comissariat recentment La Kermesse héroïque a Beursschouwburg i Pollination. Pansies. a NICC, tots dos a Brussel·les; i al costat de Marnie Slater és co-comissari de Bons Temps, Int.
Esther Newton és una antropòloga cultural coneguda pel seu treball pioner en l’etnografia de les comunitats lèsbiques i gais als Estats Units. Ha publicat dos llibres: Mother Camp: Female Impersonators in America (1972) i Cherry Grove, Fire Island: Sixty years in America?s first gai and lesbian town (1993).


CAST

Camilo y Ocaña
10 de mayo de 2017 en Arts Santa Mònica, Barcelona
Castellano e inglés / 90 min.

Entrada gratuita hasta llenar aforo.

Un programa compuesto de dos vídeos del colectivo Video-Nou (Barcelona, 1976-83): Actuació d'Ocaña i Camilo (1977) y Ocaña. Exposició a la Galería Mec-Mec (1977) son retratos del andaluz, anarquista, artista, teatrero y travesti Ocaña, su mejor amigo Camilo, el dibujante underground Nazario, los videastas y otras personas que hablan de su vida y su trabajo mientras recitan, cantan, bailan, se maquillan y están en el grupo; así como de la lectura de una selección de pasajes escritos por Esther Newton que retratan a Tiger, Billy, Tris, Godiva, Lola, Jim, Jean, Dodi Turner, Bo Sutter, Wanda, Jane, Judy, Gus, Tim, Bonnie y otras personas, y a su escenario político específico, en el ensayo Mother Camp: Female Impersonators in America (1972).

El escritor y comisario Alberto García del Castillo compuso este programa y redactó los subtítulos en inglés ? junto con Liz Allan ? para los vídeos de Video-Nou. En Arts Santa Mònica, leerá ciertas partes del texto original de Esther Newton en inglés y otras de la traducción de María José Belbel Bullejos y Paloma Uría: Mother Camp: Un estudio de los transformistas femeninos en los Estados Unidos (2016).

Esta programación fue producida por Hamaca (Barcelona), estrenada en Beursschouwburg en Bruselas en Septiembre de 2016 y presentada en 1646 en La Haya en Noviembre.

Video-Nou fue un colectivo creado en 1977, constituido dos años más tarde en equipo gestor del llamado Servei de Vídeo Comunitari, concebido con voluntad de servicio público. Sus miembros procedían de los ámbitos del periodismo, la sociología, la antipsiquiatría, la enseñanza, las artes visuales y escénicas y la arquitectura. Fue un grupo pionero en España en la utilización de equipos portátiles de vídeo, con la intención de poner en marcha un tipo de televisión (contra)informativa y activista, enraizada en determinadas prácticas artísticas conceptuales y de crítica institucional.
Alberto García del Castillo escribe ficción de género y no ficción sobre comunidades y queer, pone en escena esos textos y aquellos escritos por otras personas, y colabora en combinaciones múltiples; pronto presentará Merman, y ha publicado ?Oslo? en la revista Girls Like Us, Midpoint y Retrospective. Ha comisariado recientemente La Kermesse héroïque en Beursschouwburg y Pollination. Pansies. en NICC, ambos en Bruselas; y junto a Marnie Slater es co-comisario de Buenos Tiempos, Int.
Esther Newton es una antropóloga cultural conocida por su trabajo pionero en la etnografía de las comunidades lésbicas y gays en los Estados Unidos. Ha publicado dos libros: Mother Camp: Female Impersonators in America (1972) y Cherry Grove, Fire Island: Sixty years in America?s first gay and lesbian town (1993).

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